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Paolo Gotti, Casa sul mare

“Ogni uomo confonde i limiti del suo campo visivo con i confini del mondo.” Arthur Schopenhauer  

È stata inaugurata a Bologna lo scorso 14 dicembre la mostra Oltre i confini in cui il fotografo bolognese Paolo Gotti si misura con un tema complesso, quello del superamento di limiti e barriere, siano essi geografici, geopolitici, culturali, sociali ma anche mentali.

Paolo Gotti , Salar de Uyuni, Bolivia
Paolo Gotti , Monica

“Nessun uomo è un’isola” scriveva il poeta-teologo John Donne nel diciassettesimo secolo, e questo è ancora più vero oggi in un mondo sempre più interconnesso dove la globalizzazione sta cambiando gli equilibri del pianeta. Uno scenario dove il confine è una curva immateriale, arbitraria e del tutto convenzionale, la frontiera di una superficie controllata da un individuo o da un popolo, una linea che separa e allo stesso tempo unisce, che ci serve per organizzare i pensieri, dare un senso alle cose ma anche per abbattere pregiudizi e rigidità.

Paolo Gotti , Nave in Grecia
Paolo Gotti , Aeroporto arabo

Il superamento dei confini è dettato anche da un irrefrenabile desiderio di conoscenza o di conquista, in particolare dove i tre elementi – aria, acqua, terra – tendono a confondersi in labili orizzonti, in paesaggi esotici e lontani alle estremità del pianeta: dall’Islanda alla Bolivia fino al Nepal, deserti di sabbia e di sale, basse maree e oceani, strade che scompaiono dietro alle montagne, che suggeriscono vie ancora da percorrere. L’attraversamento del cielo apre il percorso di Paolo Gotti, che poi si sofferma su luoghi di infiniti transiti, fino ad arrivare a quella terra che l’uomo ha delimitato e recintato e che solo l’orizzonte libera.

Paolo Gotti , Strada in Islanda
Paolo Gotti , Messico

L’obiettivo di Paolo Gotti indugia anche sulle persone, fotografate mentre osservano un panorama senza tuttavia entrarci veramente, uno spazio che si dilata all’infinito, che si può solo intuire e non comprendere, in senso quasi leopardiano. Altri soggetti delle fotografie di Paolo Gotti sono ripresi invece nell’atto di attraversare la scena. Lo fanno sullo sfondo di un aeroporto, luogo di passaggio per eccellenza oltre i confini o in uno sperduto paese tra le montagne del Nepal. Oppure sfrecciano su un treno, con lo sguardo che suggerisce una profonda inquietudine. O ancora, condividono momenti di gioia – come nella fotografia che ritrae i figli sorridenti dei minatori d’oro in Ghana – aprendosi agli altri e superando gli steccati della mente, come forse solo i bambini sanno fare.

Press Irene Guzman 

Paolo Gotti. Oltre i confini

14 dicembre 2019 – 28 febbraio 2020

Temporary Gallery, via Orfeo 4, Bologna

Orari: lunedì-venerdì: 16.30-19.30; sabato, domenica e festivi: 11-13 e 16.30-19.30

Stefano Serretta, Naked Lunch Money, installation view, Spazio Leonardo, Milano, 2019, ph. credits Cosimo Filippini, courtesy UNA Gallery and the artist

Galleria UNA è lieta di presentare la mostra personale di Stefano Serretta. Naked Lunch Money, terzo appuntamento del programma espositivo annuale presso Spazio Leonardo, il nuovo contenitore di Leonardo Assicurazioni – Generali Milano Liberazione, inaugurato nel 2018 a Milano.

ll lavoro di Stefano Serretta (Genova, 1987) è sorretto da un rigoroso impianto storico e analitico, che mira ad evidenziare le fragili fondamenta autocelebrative del capitalismo globalizzato e della macchina comunicativa che lo regola, di cui l’uomo è protagonista e vittima allo stesso tempo. Con sguardo indagatore, Serretta evidenzia le contraddizioni e gli aspetti schizofrenici del nostro presente post-ideologico.

Stefano Serretta, Naked Lunch Money, detail (Faros de Panama Torre Central Panama), Spazio Leonardo, Milano, 2019, ph. credits Cosimo Filippini, courtesy UNA Gallery and the artist

Per Naked Lunch Money, sulla gallery di Spazio Leonardo si presenta una nuova serie di lavori su carta,  sviluppati a partire  del progetto on-going  Shanti Town, che mette in atto una mappatura sempre in divenire di colossali edifici incompiuti o collassati sotto il peso dei sistemi che rappresentano.

Stefano Serretta, Shanti Town [Red Road Flat Glasgow], ink on paper, cm 50 x 70, 2019, ph. credits Cosimo Filippini, courtesy UNA Gallery
and the artist

In Shanti Town, le silhouettes di questi paradossi architettonici sono il simbolo dello scontro sempre maggiore tra aspettative crescenti e opportunità declinanti: sono disegni che prendono corpo attraverso una ripetizione ossessiva delle scritte e “formule magiche” dell’economia neoliberista, come il motto too big to fail.  Scritti a mano dall’artista, i mantra diventano i moniti che, ironicamente, sorreggono e tratteggiano uno spettacolo delle macerie sempre in bilico tra reale e verosimile.

Stefano Serretta, Naked Lunch Money, installation view, Spazio Leonardo, Milano, 2019, ph. credits Cosimo Filippini, courtesy UNA Gallery
and the artist

Questa lunga serie di capricci architettonici, delinea uno skyline impossibile, instaurando una riflessione sull’abbandono, sul fallimento e sull’incompiuto nella nostra società contemporanea.

“Le rappresentazioni di grandiosi edifici mai realizzati quali la Chicago Spire Tower, Los Faros di Panama, la Nakheel Tower di Dubai o la U2 Tower di Dublino, installate uno di fianco all’altra nelle sale di Spazio Leonardo, danno vita a una paradossale quanto impossibile hall of fame. Nel processo di serializzazione grafica operato dal segno dell’artista, infiniti scenari geopolitici vengono così isolati e ricondotti a un linguaggio formale comune, alludendo velatamente alla continua sovrapposizione fra stato nazione e poteri finanziari attiva in ciascuna di queste rovinose imprese architettoniche.” Vasco Forconi

Stefano Serretta, Naked Lunch Money, installation view, Spazio Leonardo, Milano, 2019, ph. credits Cosimo Filippini, courtesy UNA Gallery and the artist

Stefano Serretta. Naked Lunch Money 24 ottobre 2019 – 24 gennaio 2020

orari dal lunedì al venerdì, 09:00 – 18:00

Spazio Leonardo via della Liberazione 16/a, 20124 Milano

www.leonardoassicurazioni.it

Per informazioni: info@unagalleria.com | + 39 339 17 14 400 | +39 349 35 66 535

Press Sara Zolla 

Tutti i libri di Aldo Buzzi in prime e successive edizioni

Dieci anni fa moriva a 99 anni Aldo Buzzi (Como, 10 agosto 1910 – Milano, 9 ottobre 2009), che da sempre è nel mio Olimpo dei grandi, ovvero da quando l’ho letterariamente scoperto a partire dai primi anni 2000, grazie alle riedizioni di alcune sue opere da parte dell’editore Ponte alla Grazie.

Così, nel tempo, ho scovato e amato ogni cosa da lui scritta, curata, pensata, tradotta, inclusi i libri a lui dedicati, tutto rigorosamente in prima edizione: dai bellissimi, rosa e rossi, Scheiwiller, alla chicca sulla Vecchiaia stampata da quel poeta del torchio che è Luciano Ragozzino con le sue delicatissime Edizioni Il ragazzo innocuo, sino alla perla hoepliana e munariana del Taccuino dell’aiuto regista del ’44, rivelatasi in una libreria antiquaria di Barcellona e lì classificata come cosa futurista. Il particolare minuto e inatteso col sorriso a fior di labbra: buzziano.

Le foto che vedete sono il frutto di questa “caccia” bellissima e non assillata dall’ansia della fretta, accompagnata piuttosto dal piacere di un ritrovamento ventennale, talvolta occasionale (ma sono loro, i libri, a venire da noi, non il contrario), in particolare fra librerie di Torino, Sondrio, Bologna, Roma, Milano ovviamente. E ogni volta un piatto diverso, una trattoria nuova, in perfetto stile da viaggio buzziano: leggere per credere quel capolavoro insuperato di leggerezza che è L’uovo alla kok.

Autore atipico che spaziò dal primo amore per il cinema (si veda la curatela di alcuni volumetti commoventi della serie Cineteca Domus del ’45, i primi stampati durante gli ultimi spari della Liberazione, oltre al già citato Taccuino, senza contare il fatto di essere amico e cognato del regista Lattuada) a quello per il viaggio unito una passione culinaria autentica e ante litteram, all’amicizia di una vita col grande Saul Steinberg, tutto sempre vissuto e scritto con un’ironia sottile e una levità naturale e stilistica di fondo sin dai titoli spesso strepitosi (Quando la pantera rugge, Viaggio in terra delle Mosche e altri viaggi, La lattuga di Boston, Parliamo d’altro, Čechov a Sondrio, Stecchini da denti), tale da fare amare attraverso questo scetticismo provvidenziale l’amarezza persistente di cui a volte la vita è più che capace. Quanti pomeriggi, quante ore liete devo a quest’uomo!

Viva più che mai Aldo Buzzi nel decennale della sua scomparsa. Con gratitudine e affetto e un augurio di buone festività a tutti i lettori. Ci ritroveremo a gennaio, col nuovo anno.

Saul Steinberg (a sinistra) e Aldo Buzzi (a destra)

PS. “(Ristoranti americani) La gente, dice S., non sa giudicare se il cibo è buono. Si deve ai gangster se esiste qualche buon ristorante. Come si arricchiscono i ristoranti: non col buon cibo ma con i cocktails che precedono, che devono essere il più possibile numerosi. Dopo, per forza il cibo non conta. «Cameriere, mi porti un po’ di chili con carne per digerire tutti quei Martini».” Aldo Buzzi, da Un debole per quasi tutto, Ponte alle Grazie, Milano 2006, p.141.

Claudio Olivieri, Estremo, 2012

“Prassitele mi fece capire che la luce non si posa sul mondo, ma lo rivela fondandolo.”

“La pittura dovrà risalire questa voragine, farsi memoria del dimenticato, di ciò che non ha corpo presente in cui prendere forma, che non si comunica, che è solo in virtù del non essere mai stato.”

Claudio Olivieri, Knossos, 1981

“Ancora si vanno cercando riferimenti, forme, relitti, appigli, ancora si pretende di verificare attraverso la garanzia del rico­noscere. Ma dovremmo aver capito che l’invisibile doppia il visibile e grazie al visibile noi siamo ciechi.”

“Ci domandiamo dell’infinito perché noi siamo il punto della sua interruzione.”

Claudio Olivieri, Oltre il rosso, 2009

“Dinnanzi alla superficie della pittura proviamo la memoria del permanere: abbiamo già visto, mentre vediamo, ciò che vedremo. Questo tempo di assimilazione visiva è la dimensione segreta del colore, la sola materia che possa operare il traslato tra spazio e tempo. Ciò che accade nella pittura è tutto qui; senza referenze proprio perché ambito di tutte le relazioni, senza attributi essendo memoria dell’interrogare.”

Claudio Olivieri, Educato, 1978

Ps. I pensieri precedenti sono tratti da Claudio Olivieri, Del resto. Aforismi e altri scritti (1965-2015), Mimesis 2018. Dedico la pagina a questo grande maestro, di cui ho appena appreso la scomparsa. Serbo fra i ricordi più preziosi averlo conosciuto nel suo studio a Milano in anni lontani e universitari, essere tornato poi a trovarlo, aver visto e rivisto le sue opere senza mai saziarmene, e averlo incontrato nuovamente, per caso, un paio di anni fa a Bologna. Lui era pittura.

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Alfredo Protti, 1912, Il sonnellino, collezione privata

L’Associazione Bologna per le Arti celebra i vent’anni di attività con una grande mostra a curata da Stella Ingino e Giuseppe Mancini presso la Sala Ercole di Palazzo d’Accursio: Da Bertelli a Guidi – Vent’anni di mostre dell’Associazione Bologna per le Arti.

Viene così presentato un consistente corpus di opere di quindici artisti, a cui sono state dedicate le esposizioni monografiche nel corso di questi vent’anni. È un’occasione per ripercorrere visivamente le declinazioni dell’arte bolognese di fine Ottocento e inizio Novecento attraverso le opere di Luigi Bertelli, Luigi Busi, Giovanni Paolo Bedini, Raffaele Faccioli, Coriolano Vighi, Mario de Maria, Alessandro Scorzoni, Fabio Fabbi, Flavio Bertelli, Carlo Corsi, Alfredo Protti, Guglielmo Pizzirani, Giovanni Romagnoli, Giulio Fiori e Ugo Guidi.

Luigi Bertelli, Il Reno,collezione privata

Il Presidente Gianarturo Borsari dichiara: “Questa mostra vuole rappresentare l’incanto e la poesia della bellezza, la quale è una forma del genio, anzi mi permetto di dire più alta del genio perché non necessita di alcuna spiegazione. La collettiva celebra il ventennale dell’Associazione esponendo quattro opere per ciascuno dei suoi quindici artisti, opere da cui trasuda quella bellezza che vorremmo fosse sempre più apprezzata, capita e propugnata. Onore all’Associazione Bologna per le Arti e soprattutto a coloro che in questi vent’anni hanno dato il loro prezioso contributo a far sì che la città di Bologna potesse celebrare questi suoi grandi artisti”.

Dal 1999 l’Associazione promuove mostre di alto livello culturale dedicate ad artisti bolognesi tra Ottocento e Novecento, oltre all’organizzazione di conferenze e alla pubblicazione di cataloghi monografici che costituiscono una piccola enciclopedia d’arte.

Luigi Busi, Tutti hanno il loro nido, collezione privata

Nel corso dell’esposizione, precisamente il 30 gennaio, 6 e 13 febbraio 2020, si terrà la decima edizione dei Dialoghi Culturali a Palazzo d’Accursio, un ciclo di conferenze sull’arte e le sue sfaccettature tenute da studiosi e personalità del panorama culturale della città. Gli appuntamenti si terranno presso la Cappella Farnese di Palazzo d’Accursio.

La mostra è aperta al pubblico dall’8 dicembre 2019 al 16 febbraio 2020 e si può visitare gratuitamente martedì, mercoledì, giovedì, sabato e domenica dalle ore 10.00 alle ore 18.30 e venerdì dalle 15 alle 18.30 (lunedì chiuso).

Press Sara Zolla

Coriolano Vighi, Dopo il temporale, 1895, collezione privata

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Emilio Scanavino al MoMA di New York, 1961

Inaugurata lo scorso 9 novembre nelle sale di Palazzo Pigorini a Parma, la mostra Emilio Scanavino. Genesi delle forme, a cura di Cristina Casero e Elisabetta Longari in collaborazione con l’Archivio dell’artista e il sostegno del Comune di Parma, offre una lettura inedita dell’opera di Emilio Scanavino (Genova, 1922–1986), protagonista della stagione italiana della pittura informale negli anni Cinquanta, aggiornando poi i suoi modi nei decenni seguenti lungo una traiettoria personale e coerente.

Emilio Scanavino, Senza titolo, stampa vintage in bianco e nero, anni ’60
Emilio Scanavino, Germoglio, esemplare unico, 1967, terracotta

L’esposizione presenta – accanto a dipinti, ceramiche e sculture – più di cento fotografie scattate dallo stesso Scanavino, una produzione interessante e sostanzialmente inedita, conservata presso l’Archivio dell’artista. Intorno a questo nucleo di immagini è costruita, con un taglio innovativo, la mostra, che chiarisce quindi come la pratica fotografica sia stata parte integrante, sin dalla fine degli anni Cinquanta, della ricerca dell’autore. Dal confronto tra gli scatti e la produzione artistica si evidenzia anche l’affermarsi di un differente modo di concepire l’immagine pittorica o scultorea da parte di Scanavino, che affermava: “A me piace fotografare. Ma non cerco belle immagini, mi piace andare in giro e ritrarre lo scheletro della natura, certi buchi, certi solchi che i secoli hanno scavato nelle montagne. I detriti che si accumulano nei luoghi dove la nostra civiltà industriale raccoglie le sue scorie mi raccontano cose incredibili.”

Emilio Scanavino, Senza titolo, stampa vintage in bianco e nero, anni ’60
Emilio Scanavino, Studio, 1980, acrilico su cartone

Nelle sue fotografie, infatti, Scanavino immortala brani di realtà – corde, innesti, insetti, muri, nodi, pietre -, tutti elementi che qui diventano forme primarie, archetipi, il cui senso va oltre il loro significato letterale. Come evidenzia una delle due curatrici, Elisabetta Longari: “la fotografia aiuta Scanavino a leggere con evidenza il carattere particolare della materia, ne capta la qualità, la struttura segreta, e quindi il motivo per cui egli ricorre a questo strumento espressivo è “la conoscenza, la più profonda e diretta possibile. La fotografia in questo quadro si rivela un ottimo strumento d’indagine, l’obiettivo è un occhio ravvicinato cui non sfugge nulla, o comunque che sa cogliere ciò che l’occhio umano non afferra”. L’artista, dunque, assegna alla fotografia un ruolo fondamentale nel processo di genesi delle forme del suo immaginario, non fondato soltanto sulla sua invenzione, sulla sua immaginazione, ma capace di trarre forza anche da quella ricognizione sulla realtà che egli compie anche attraverso il mezzo fotografico. 

Emilio Scanavino, Il muro, 1954, olio su tela

Il fondamentale rapporto tra l’immagine fotografica e la produzione pittorica e scultorea di Scanavino, insieme all’analisi del linguaggio fotografico dell’autore, sono indagati nel catalogo della mostra, un volume edito da Magonza Editore, che presenta la produzione fotografica dell’autore, sinora poco conosciuta. I saggi delle due curatrici approfondiscono diversi aspetti: Cristina Casero si concentra più propriamente sull’analisi del linguaggio fotografico e sulle relazioni dell’artista con il clima culturale e il contesto espositivo a lui contemporaneo; Elisabetta Longari cerca, basandosi principalmente sui libri, come anche sui carteggi presenti nell’archivio del pittore, di tracciare una possibile mappa culturale del suo approccio alla fotografia e all’arte. Press Irene Guzman

Emilio Scanavino. Genesi delle forme
A cura di Cristina Casero ed Elisabetta Longari
In collaborazione con l’Archivio Emilio Scanavino e con il sostegno di Comune di Parma
Sede Palazzo Pigorini | Strada della Repubblica 29/A, Parma
Inaugurazione Sabato 9 novembre, ore 17.30
Date 10 novembre – 15 dicembre 2019
Orari Giovedì e venerdì dalle 14.30 alle 18.30 | Sabato e domenica dalle 10 alle 18.30
Ingresso libero

“Sepino è uno dei luoghi più belli ed emozionanti che abbia visto nella mia vita. Una città romana non meno commovente di Pompei: una città vera, non uno scavo leggibile solo dagli specialisti. Una città con le mura in piedi, con il teatro agibile, con le strade, le botteghe, gli archi, le iscrizioni. Una città in cui le piccole basiliche si sono trasformate in masserie settecentesche, in parte ancora abitate e circondate da animali. Una città che, a differenza di Pompei, è ancora immersa in una natura intatta: la meravigliosa valle del Tammaro, chiusa da colline dolcissime su cui corrono i tratturi nati sui tracciati, e a volte sui selciati, delle strade romane.

Camminando per Sepino hai la sensazione di camminare nel tempo, sembra di essere nel Campo Vaccino, cioè nel Foro Romano quand’era un pascolo: fino all’età di Goethe. Ma, soprattutto, a Sepino capisci cos’è, davvero, l’Italia: o meglio cos’era, e cosa potrebbe continuare ad essere. Un Paese irriducibile al campionario di pochi luoghi simbolo, e che consiste invece nella capillare diffusione di siti meravigliosi, nel tessuto continuo di storia e natura ormai fuse in un paesaggio culturale unico al mondo. Un Paese le cui aree interne, lontane dall’aria viziata delle metropoli e dalle luci notturne delle coste, sono serbatoi inesauribili di una visione della vita alternativa e irriducibile alla pulsione autodistruttiva di ciò che ci ostiniamo a chiamare modernità.

È a questo che serve, camminare per Sepino in una sera d’estate: non solo a conoscere Sepino,o l’Italia: ma a conoscere noi stessi. A scendere nella profondità della nostra anima con una calma e un coraggio che non riusciamo ad avere quando siamo travolti dalle urgenze della vita di tutti i giorni. A cercare di capire cosa vogliamo, veramente, dal nostro breve passaggio su questa terra. A Sepino si impara a mettere in discussione la parola “bellezza”, e il suo uso corrente: che è nel migliore dei casi estetico, e poi immancabilmente economico. Il punto di vista degli esteti – ha scritto Simone Weil – è sacrilego non solo per quanto riguarda la religione, ma anche per quanto riguarda l’arte. Esso consiste nel divertirsi con la bellezza manipolandola e guardandola.

La bellezza è invece qualcosa che si mangia: è un nutrimento». Mangiare Sepino, mangiare la bellezza dell’Italia: cioè essere in comunione con questa storia meticcia e profondamente umana. Sentire vivo quel passato dentro di noi: sentire che nessun futuro umano può nascere fuori da questa comunione.
Ecco perché tornare a Sepino, in questo asfissiante agosto italiano.”   

Tomaso Montanari, Ora d’arte in Il Venerdì di Repubblica, 23 agosto 2019, p.97.