Inaugurata lo scorso 9 novembre nelle sale di Palazzo Pigorini a Parma, la mostra Emilio Scanavino. Genesi delle forme, a cura di Cristina Casero e Elisabetta Longari in collaborazione con l’Archivio dell’artista e il sostegno del Comune di Parma, offre una lettura inedita dell’opera di Emilio Scanavino (Genova, 1922–1986), protagonista della stagione italiana della pittura informale negli anni Cinquanta, aggiornando poi i suoi modi nei decenni seguenti lungo una traiettoria personale e coerente.
Emilio Scanavino, Senza titolo, stampa vintage in bianco e nero, anni ’60 Emilio Scanavino, Germoglio, esemplare unico, 1967, terracotta
L’esposizione presenta – accanto a dipinti, ceramiche e sculture – più di cento fotografie scattate dallo stesso Scanavino, una produzione interessante e sostanzialmente inedita, conservata presso l’Archivio dell’artista. Intorno a questo nucleo di immagini è costruita, con un taglio innovativo, la mostra, che chiarisce quindi come la pratica fotografica sia stata parte integrante, sin dalla fine degli anni Cinquanta, della ricerca dell’autore. Dal confronto tra gli scatti e la produzione artistica si evidenzia anche l’affermarsi di un differente modo di concepire l’immagine pittorica o scultorea da parte di Scanavino, che affermava: “A me piace fotografare. Ma non cerco belle immagini, mi piace andare in giro e ritrarre lo scheletro della natura, certi buchi, certi solchi che i secoli hanno scavato nelle montagne. I detriti che si accumulano nei luoghi dove la nostra civiltà industriale raccoglie le sue scorie mi raccontano cose incredibili.”
Emilio Scanavino, Senza titolo, stampa vintage in bianco e nero, anni ’60 Emilio Scanavino, Studio, 1980, acrilico su cartone
Nelle sue fotografie, infatti, Scanavino immortala brani di
realtà – corde, innesti, insetti, muri, nodi, pietre -, tutti elementi che qui
diventano forme primarie, archetipi, il cui senso va oltre il loro significato
letterale. Come evidenzia una delle due curatrici, Elisabetta Longari: “la fotografia aiuta Scanavino a leggere con evidenza il carattere
particolare della materia, ne capta la qualità, la struttura segreta”, e quindi il motivo per cui egli ricorre a questo
strumento espressivo è “la conoscenza, la più profonda e
diretta possibile. La fotografia in questo quadro si rivela un ottimo strumento
d’indagine, l’obiettivo è un occhio ravvicinato cui non sfugge nulla, o
comunque che sa cogliere ciò che l’occhio umano non afferra”. L’artista, dunque, assegna alla fotografia un ruolo
fondamentale nel processo di genesi delle forme del suo immaginario, non
fondato soltanto sulla sua invenzione, sulla sua immaginazione, ma capace di
trarre forza anche da quella ricognizione sulla realtà che egli compie anche
attraverso il mezzo fotografico.
Emilio Scanavino, Il muro, 1954, olio su tela
Il fondamentale rapporto tra l’immagine fotografica e la produzione pittorica e scultorea di Scanavino, insieme all’analisi del linguaggio fotografico dell’autore, sono indagati nel catalogo della mostra, un volume edito da Magonza Editore, che presenta la produzione fotografica dell’autore, sinora poco conosciuta. I saggi delle due curatrici approfondiscono diversi aspetti: Cristina Casero si concentra più propriamente sull’analisi del linguaggio fotografico e sulle relazioni dell’artista con il clima culturale e il contesto espositivo a lui contemporaneo; Elisabetta Longari cerca, basandosi principalmente sui libri, come anche sui carteggi presenti nell’archivio del pittore, di tracciare una possibile mappa culturale del suo approccio alla fotografia e all’arte. Press Irene Guzman
Emilio Scanavino. Genesi delle forme A cura di Cristina Casero ed Elisabetta Longari In collaborazione con l’Archivio Emilio Scanavino e con il sostegno di Comune di Parma Sede Palazzo Pigorini | Strada della Repubblica 29/A, Parma Inaugurazione Sabato 9 novembre, ore 17.30 Date 10 novembre – 15 dicembre 2019 Orari Giovedì e venerdì dalle 14.30 alle 18.30 | Sabato e domenica dalle 10 alle 18.30 Ingresso libero
“Sepino è uno dei luoghi più belli ed emozionanti che abbia visto nella mia vita. Una città romana non meno commovente di Pompei: una città vera, non uno scavo leggibile solo dagli specialisti. Una città con le mura in piedi, con il teatro agibile, con le strade, le botteghe, gli archi, le iscrizioni. Una città in cui le piccole basiliche si sono trasformate in masserie settecentesche, in parte ancora abitate e circondate da animali. Una città che, a differenza di Pompei, è ancora immersa in una natura intatta: la meravigliosa valle del Tammaro, chiusa da colline dolcissime su cui corrono i tratturi nati sui tracciati, e a volte sui selciati, delle strade romane.
Camminando per Sepino hai la sensazione di camminare nel tempo, sembra di essere nel Campo Vaccino, cioè nel Foro Romano quand’era un pascolo: fino all’età di Goethe. Ma, soprattutto, a Sepino capisci cos’è, davvero, l’Italia: o meglio cos’era, e cosa potrebbe continuare ad essere. Un Paese irriducibile al campionario di pochi luoghi simbolo, e che consiste invece nella capillare diffusione di siti meravigliosi, nel tessuto continuo di storia e natura ormai fuse in un paesaggio culturale unico al mondo. Un Paese le cui aree interne, lontane dall’aria viziata delle metropoli e dalle luci notturne delle coste, sono serbatoi inesauribili di una visione della vita alternativa e irriducibile alla pulsione autodistruttiva di ciò che ci ostiniamo a chiamare modernità.
È a questo che serve, camminare per Sepino in una sera d’estate: non solo a conoscere Sepino,o l’Italia: ma a conoscere noi stessi. A scendere nella profondità della nostra anima con una calma e un coraggio che non riusciamo ad avere quando siamo travolti dalle urgenze della vita di tutti i giorni. A cercare di capire cosa vogliamo, veramente, dal nostro breve passaggio su questa terra. A Sepino si impara a mettere in discussione la parola “bellezza”, e il suo uso corrente: che è nel migliore dei casi estetico, e poi immancabilmente economico. Il punto di vista degli esteti – ha scritto Simone Weil – è sacrilego non solo per quanto riguarda la religione, ma anche per quanto riguarda l’arte. Esso consiste nel divertirsi con la bellezza manipolandola e guardandola.
La bellezza è invece qualcosa che si mangia: è un nutrimento». Mangiare Sepino, mangiare la bellezza dell’Italia: cioè essere in comunione con questa storia meticcia e profondamente umana. Sentire vivo quel passato dentro di noi: sentire che nessun futuro umano può nascere fuori da questa comunione. Ecco perché tornare a Sepino, in questo asfissiante agosto italiano.”
Tomaso Montanari, Ora d’arte in Il Venerdì di
Repubblica, 23 agosto 2019, p.97.
Con questa premessa desidero ringraziare Alessandra Carini, direttrice artistica della galleria MAG di Ravenna per la bellissima esperienza data all’artista Sara Vasini e al sottoscritto come suo curatore per la mostra Paradiso visitabile gratuitamente dal 4 ottobre al 24 novembre 2019 parallelamente all’esposizione Mai più curata dalla stessa Carini insieme a Benedetta Pezzi sul talentuoso Marco De Santi, quest’anno vincitore del premio Gaem.
“La
maggior parte degli uomini disprezza troppo facilmente la grazia.” Stendhal
Paradiso
è cosa differente per ogni cultura, per ogni individualità.
Parádeisos originariamente
è la trascrizione greca dell’avestico pairidaeza che per Senofonte indicava il grande giardino
recintato del re nella Ciropedia. Venne
in seguito scelto per tradurre l’ebraico gan
della Genesi biblica al posto del vocabolo
più comune kẽpos, proprio per la sua
valenza regale “che meglio si adattava a un giardino piantato da Dio” (G.
Agamben, Il Regno e il Giardino,
Vicenza 2019, p.13).
Paradiso
è luogo terrestre celeste, tangibile ideale, perduto ritrovato, irraggiungibile
vicinissimo mentale. È la meta possibile della ricerca di felicità o la ricerca
stessa.
Nella
riflessione di Sara Vasini, Paradiso è
avere a che fare con la sua lingua madre, il mosaico, non una tecnica, più di
un linguaggio, modo d’essere, di vivere nulla mai facile, anzi da esplorare con
più tecniche e linguaggi, come nell’opera qui presente.
Alcuni
anni fa, Sara acquista per caso un cartone del 1953 del maestro mosaicista
Romolo Papa raffigurante il viso del San
Pietro musivo del 1112 già nel Duomo di Ravenna. Dopo Codificazioni, il workshop da lei tenuto presso l’Accademia di
Belle Arti di Lecce nell’aprile 2019, capisce che questo volto può essere
inserito nel Saggio sulla cecità, sua
serie in progress ispirata all’opera
omonima di José Saramago e iniziata fra 2015 e 2016: circa una volta all’anno,
Sara rielabora una copia musiva antica virandone i colori sino al monocromo
“poiché a mio avviso il mosaico non è nel colore, come i più pensano, ma
nell’andamento (…) nell’accostamento tra una tessera e l’altra” afferma con
l’intento di far scoprire anche ai profani la bellezza del ritorno alla
grammatica musiva – suo paradiso – senza distrazione o inganno cromatico.
Qui
i San Pietro sono due: azzurro e rosa
che, nella vulgata occidentale,
rappresentano il maschile e il femminile: l’Adamo e Eva del video che collega,
completa e chiude questa installazione.
Romolo Papa, Piazza Armerina, 1959
In
un catalogo dedicato a Romolo Papa (niArt,
Ravenna 2008) si vedono tre immagini in cui Romolo Papa, a Piazza Armerina nel
’59, si fotografa pressoché nudo, a parte un paio di mutande bianche, davanti
allo specchio della sua camera, a pochi passi dai sontuosi mosaici romani.
Perché si è autoritratto così?
L’ipotesi
di Sara è che non si possa essere che nudi davanti alla lingua madre del
proprio paradiso, come Adamo e Eva nell’Eden biblico o mentale o, in questo
caso, in forma di video, dove Lorenzo e Adele, novelli Adamo e Eva, partono
nudi – provvisti solo delle mutande bianche in omaggio alla foto di Papa –
dalla propria dimensione identitaria e posizione di riconoscimento, ovvero l’azzurro/maschile
e il rosa/femminile dei San Pietro
della Vasini, e seguendo un rettilineo invisibile – come talvolta sono gli
andamenti e le vie musive e sorgive della vita – camminano verso il centro, verso
San Pietro, sotto gli occhi del quale accade l’avvicinarsi, l’incontro, la
scoperta dell’Altro, occhi negli occhi, relazione possibile, incognita Paradiso. A quel punto tutto si interrompe,
sospeso, e fa ingresso il mistero del presente. Forse del futuro.
Sara Vasini, Paradiso, frame dal video, 2019
In
Ultimo tango a Parigi, c’è una scena breve
e rivelatrice in cui Jeanne/Maria Schneider descrive il matrimonio pop moderno,
quello della pubblicità felice e sorridente, che gli sposi come operai in tuta
da lavoro possono sempre riparare, persino in caso di adulterio. Ma “l’amore
no, l’amore non è pop” e quando si manifesta, la finzione cessa e “gli operai
entrano in un appartamento segreto, si levano le tute e ridiventano uomini,
donne e fanno l’amore.” Certo tenendo presente che “Amore non è solo vicenda di
corpi, ma traccia di una lacerazione, e quindi incessante ricerca di quella
pienezza, di cui ogni amplesso è memoria, tentativo, sconfitta” (U. Galimberti,
Le cose dell’amore, Milano 2018,
p.155).
Sara Vasini, Paradiso, frame dal video, 2019
Paradiso
è anelare a questa autenticità scoprendo nell’altro l’inatteso, “l’enigma”
direbbe Lévinas, il diverso da sé, esplorando confini e slanci insospettati, non
già un autospecchiarsi sterile per trovare nell’altro la conferma ennesima di
sé, un altro sé privo della spinta esplorativa, che è moto di vita. In questo
senso “compito dell’arte e della poesia è sicuramente quello di liberare la
percezione da tale rispecchiamento, e di aprirla a favore dell’interlocutore, a
favore degli altri, dell’Altro.” (B. Han, L’espulsione
dell’Altro, Milano 2017, p.82)
Sara Vasini, Paradiso, frame dal video, 2019
A
questo appuntamento non si può presentarsi che in luce e nudità, privi di
vergogna, come erano i progenitori del mito biblico, come sono gli attori del
video che pure danno corpo a una verità, poiché avere desiderio dell’altro e
farne esperienza in dolore e amore, con le difficoltà e la fatica spiazzante
dell’altro, realizza in pienezza anche il proprio sé finalmente liberato, non
più bloccato dai lacci delle paure autoinflitte, anzi arricchito dalla
rivelazione della propria follia, l’altro sé in sé, come voleva Socrate nel Simposio platonico, pronto a essere
nuovo, più profondamente umano nelle occasioni che verranno. L’altro spariglia
le carte dell’io, rimette in gioco tutto, induce a donargli cura e tempo, cura
nel tempo, il nostro proprio tempo. Avvicina a una natura più intima e umana
che, come intuì Scoto Eriugena nel Periphyseon,
è la sede vera del mistero di un possibile paradiso terrestre. Grazie, Sara.
Sara Vasini, Nuda Veritas, 2019
Ps.
“Wahrheit ist Feuer und Wahrheit reden heisst
leuchten und brennen” / “La verità è fuoco e parlare di verità significa
illuminare e bruciare”: sono i versi di Leopold Schefer che Gustav Klimt scelse
per la prima versione litografica della Nuda
Veritas (1898), in cui la donna-Verità si svela di fronte all’osservatore
significativamente reggendo uno specchio da cui si originano raggi luminosi.
Con il trittico finale Nuda
Veritas, volutamente nascosto in sede di mostra dietro un tendaggio nero, Sara
Vasini riconduce al mosaico proprio Klimt che dei mosaici bizantini di Ravenna
si era nutrito per tradurli nello splendore della Secessione viennese. Il lavoro si sviluppa su linee con le tipiche lamelle-tessere
di conchiglia della Vasini, insieme a qualche virgola colorata. Nella seconda fase
di strappo, col cemento, qualcosa è andato diversamente. Alcune tessere sono
rimaste agganciate alla tarlatana. Un errore? Quante volte nella vita di ognuno
gli accadimenti prendono direzioni impreviste, incontrollabili? Per quanto non
sia facile, bisogna accettarle, integrarle nel nostro percorso. Coerentemente Sara
non ha voluto rifare l’opera, decidendo di esporre il dittico con la piega nuova,
la bruciatura quasi, che esso ha deciso di assumere. Nuda veritas.
Nella terza immagine, il corpo nudo dell’artista stessa (a
parte le mutande bianche, trait d’union
con il Paradiso precedente),
restituito dal medium fotografico come nell’autoscatto di Papa, veste la Veritas klimtiana, sostenendo uno
specchio su uno sfondo marino, Bellaria, suo luogo di nascita, dove lei trova
le amate conchiglie-tessere, sua lingua madre. Non è solo una posa speculare a
quella di Klimt: questo ritratto è lo svelarsi di un’anima in tutta la sua
forza sorgiva, nella sua fragilità definitiva: “Wahrheit
ist Feuer und Wahrheit reden heisst leuchten und brennen.”
Con questa premessa desidero ringraziare Elisa Simoni e il co-curatore Giovanni Gardini, per la bella esperienza di questa mostra visitabile gratuitamente dal 6 ottobre al 24 novembre 2019 presso la Chiesa di Santa Eufemia a Ravenna.
Elisa Simoni. La
scelta dei dodici (abstract
dal catalogo)
di
Luca Maggio
“In
lui era la vita e la vita era la luce degli uomini” Vangelo di Giovanni 1,4
L’opera
che stai osservando non è nell’intenzione dell’autrice, Elisa Simoni, solo un
insieme di oggetti aventi relazione fra loro in una installazione comune. È una
preghiera meditata negli anni. Che trova ora compimento.
(…)
Dodici cubi-tessere di marmo. E dodici dischi arrugginiti in ognuno di essi.
Del tredicesimo, unico completamente dorato sopra un supporto trasparente, dirò
oltre. Anche se, come avrai intuito, rappresentano gli apostoli e il loro
maestro, Yehoshua ben Yosef, Gesù. Per loro, da un certo punto in poi, egli è
più di un rabbī, guida spirituale, è il Figlio di Dio, colui che li ha
chiamati, chiedendo loro di aderire a un messaggio d’amore inedito, scegliendo
di scegliere ciò che ragione sconsiglierebbe, radicalmente cambiando le proprie
vite senza possibilità di ritorno: “Da questo tutti sapranno che siete miei
discepoli: se avete amore gli uni per gli altri” (Gv 13,35). E ancora, dalla Prima
lettera giovannea: “Dio è amore; chi rimane nell’amore rimane in Dio e Dio
rimane in lui” (1 Gv 4,16), laddove
il vocabolo italiano amore traduce il
greco evangelico agápē – non il sensuale érōs, non l’amicale philía -, che ha valenza spirituale.
Elisa Simoni, La scelta dei dodici (particolare), 2019
Torniamo agli oggetti. Il marmo per Elisa rappresenta un
ritorno alle radici del mosaico e al suo personale amore per questo materiale
così naturale, semplice da un certo punto di vista, come gli apostoli che certo
non erano persone dotte, benché seducente nella diversità delle sue cromie:
ecco dal bianco al marrone il travertino romano, il rosa Portogallo, il giallo Persia,
il bianco greco, il verde Guatemala, il rosso Alicante, spaziando da marmi più
duri a altri più morbidi, secondo il temperamento di questi “inviati” di Dio.
Elisa Simoni, Reperto di luce Elisa Simoni, Reperto di luce
Ora avvicinati. Guarda dentro ognuno dei cubi: c’è una
lesione, una ferita. Si vede appena, ma è profonda. Marcata dalla foglia d’oro.
È la Parola di Cristo affondata tra le pareti del cuore di questi corpi di
roccia. È in tutti, anche in Giuda. In essa si radica la lama tonda che una
volta serviva a tagliare il marmo e che oggi funge da testa di questi apostoli.
Come la carne, anche questo metallo si consuma, si arrugginisce, cambia nel
tempo e Elisa ha scelto di non trattarlo, di non proteggerlo dal suo degradarsi
naturale. La ruggine procede. Quasi una decina di anni fa, aveva sperimentato
qualcosa di analogo in una serie di lavori – Conversione, Correggimi, La ferita dell’amore, etc. – sempre con
ferri, lamiere arrugginite, solcate all’interno da mosaici d’oro seminascosti.
Elisa Simoni, CorreggimiElisa Simoni, Correggimi
A proposito, qui, alla base di undici di questi dischi, puoi
vedere come cominci a salire l’oro eterno del Verbo: “Lampada per i miei passi
è la tua parola, luce sul mio cammino” (Salmi
119,105) e, quasi nascoste, emergono alcune lettere, quelle dei nomi con cui
Lui ha chiamato i suoi, voce incancellabile che ha ridefinito le loro identità.
Un giorno l’oro coprirà la superficie intera, anche la
ruggine: “e tutti furono colmati di Spirito Santo” (At 2,4), come viene ripetuto costantemente negli Atti degli Apostoli, poiché “la
moltitudine di coloro che erano diventati credenti aveva un cuore solo e
un’anima sola” (At 4,32). Del resto
“il Paraclito resta un dono sempre futuro: ciò che è vero di tutta la
rivelazione cristiana.”[1]
Elisa Simoni, La scelta dei dodici (particolare), 2019
È la scelta di quasi tutti gli apostoli. Non di Giuda. Del
suo mistero. In cui la luce non ascende. Qui “l’anima semplicetta che sa nulla”
di cui parla Marco Lombardo nel Purgatorio
dantesco (XVI, 88) sul senso del libero arbitrio, non si dà scampo. Né si
perdona. Annullandosi.
La ferita che sale è invece santa per la Simoni. È segno. E signum è “ricollegabile alla radice del
verbo seco, “taglio”. È – secondo
tale etimologia – un’incisione, una tacca, un marchio. Il signum si aggiunge alla superficie del reale come una ferita.”[2]
Ferita santa dunque: qualcosa che ha sconvolto le vite che ne
hanno fatto esperienza, ponendole di fronte a un bivio definitivo. (…)
Elisa Simoni, La scelta dei dodici, 2019
Ora osserva la luce che in questo spazio colpisce l’oro che
hai di fronte, centimetro per centimetro, e ne accresce l’effetto, come
migliaia di lucciole che intermittenti si rispondono nel fitto di un bosco al
principio di una notte d’estate. Ma la rivoluzione per autenticarsi e accadere
non può contentarsi di un bagno di luce sulla pelle delle cose, dell’umano. È dentro
che tutto si genera e può, se accolto, fiorire, fuoriuscire. Come testimoniano
culture differenti da quella cristiana, per esempio il pagano Seneca: “Dio è
vicino a te, è con te, è dentro di te.”[3]
O il Neiye taoista: “Dentro il cuore
un altro cuore racchiudi, dentro il cuore un altro cuore è presente. Questo
cuore dentro il cuore è pensiero che precede le parole.”[4]
Giunti alla fine, ti saluto fidando in una considerazione ultima: la scelta dei dodici fu lucis vulnus, ferita di luce. È vulnus et lux, ferita e luce.
Elisa Simoni, La scelta dei dodici (particolare), 2019
Ps. Per volontà dell’artista, le opere al termine della mostra saranno messe in vendita al costo minimo di euro 100 l’una e l’intero ricavato sarà devoluto per finanziare i lavori di restauro della Chiesa di Santa Maria in Porto a Ravenna. Per ulteriori informazioni e prenotazioni rivolgersi a Padre Luca 0544212055.
[1] P. Citati, I
Vangeli, Mondadori, Milano 2014, p. 152.
[2] N. Gardini,
Le 10 parole latine che raccontano il
nostro mondo, Gedi, Roma 2019, p.37.
[3] Seneca, Lettere a Lucilio, IV, 41, Fabbri,
Milano 1996, p.80.
[4]Neiye. Il
Tao dell’armonia interiore, 14,
14-17, a cura di A. Crisma, Garzanti, Milano 2015, p.137.
“Questo
istante di eternità è fragile, eppure estremo e sospeso!” Paul Claudel
Leonardo
e Giorgione. Partiamo da loro. Come fondale una città-ossimoro, Venezia, storia
di pietre e solidità che occupano volumi, poggiando sulla fluidità in moto
perenne dell’acqua, per definizione priva di una forma sua. E Venezia – con
Ravenna – è figlia di Bisanzio, eredità su cui si è costruita un rinascimento
proprio, liquido, basato sul colore, non sul disegno dei toscani.
Marco De Luca, La sposa, 2017
In
Leonardo, che soggiorna nella Serenissima nell’anno 1500, con l’evolversi
dell’esperienza non c’è millimetro di stabilità, tutto sfuma, si sfalda,
evapora: è tempo. Scienziato, capisce che la pittura è un rebus indecifrabile,
anche se si prova a tornare sulla stessa immagine per anni. La certezza della
definizione è impossibile. Il divenire vince.
Marco De Luca, Ascolta, piove, 2017
Giorgione,
che pure non è veneziano, nella città lagunare raggiunge l’apice di una vita
altrimenti troppo breve e sebbene tutt’altro che insensibile al passaggio
leonardesco, all’opposto afferma l’attimo, afferra questo impossibile con
quanto di più improbabile, il colore, e lo dilata. Studia. Lo osserva. Tenta il
mistero col gioco tonale per dare a ogni millimetro quadrato la medesima
temperatura. E trova un varco.
Marco De Luca, Arcano, 2019
Forse
Marco De Luca è più vicino a questo secondo sentire perché avendo bene a mente
l’effimero del tempo se ne astrae e lo distrae dai lavori suoi attraverso una
inattualità sapientissima, fatta di coerenza nell’aver scelto e mantenuto e
sviluppato la manualità paziente e di conseguenza una filosofia del mosaico sin
dagli anni settanta del secolo scorso, dunque in controtendenza rispetto alle
dominanti di quasi cinquant’anni fa, maturando quel suo “conoscere per
disconoscere” la grammatica tutta del linguaggio musivo e oltre.
Marco De Luca, Dissolvenza in porpora, 2018
Sono
immagini le sue, ora in forma di quadro, ora tridimensionali, che danno corpo –
ché le opere per lui sono sempre un fatto fisico – all’incanto, sì, a quella
che senza remore e nonostante il secolo appena passato si deve nel caso suo
chiamare bellezza, il teatro della bellezza di De Luca, laddove la radice della
parola teatro è legata al verbo greco theáomai,
“guardare, essere spettatore” e questo “etimo per molti è lo stesso di theós, dio.”[1] Il
dio che osserva la sua stessa rappresentazione nello spazio scenico e sacro inventato
per l’occasione, o più comunemente noi come piccoli frammenti di quel dio che
caliamo lo sguardo sull’inatteso catartico che ci ferma. E rapisce.
Marco De Luca, L’origine, 2015
(…) essere
circondati dai lavori di De Luca porta in luce – luce come mezzo anche
materiale – una bellezza senza tempo, mai aneddotica, astorica, di cui si
sostanziano queste creature immobili in apparenza, o meglio sospese, un attimo
prima di ricadere nell’oblio che in effetti non procede, impedito dalla magia
delle dissolvenze di questo artista, che emanano una tensione tonale e
attrattiva costante.
Marco De Luca, Stele, 2016Marco De Luca, Stele (particolare), 2016
(…)
De Luca insomma è avanti alle avanguardie, essendo classico bizantino
contemporaneo. (…) prima di ordinare le sue porzioni di mondo, come voleva
Parmenide, vede ormai con la mente. Puro ardore.
[1] L. Zoja, Giustizia e Bellezza, Bollati Boringhieri, Torino 2009, p.25.
Julian Rosefeldt, Deep Gold 2013-2014, still da video
Mirabilia Urbis è una mostra d’arte contemporanea itinerante che si
ispira alle guide turistiche per pellegrini del Medioevo nata da un’idea di Carlo Caloro e a cura di Giuliana Benassi .
La mostra si terrà a Roma dal 7 al 13 ottobre tra i Rioni Parione
e Regola, e coinvolgerà circa 20
artisti italiani e internazionali chiamati ad esporre in spazi
storici del quartiere, come il Cinema Farnese, la storica libreria Fahrenheit 451, Palazzo Falconieri sede dell’Accademia d’Ungheria in Roma, Villa Massimo sede dell’Accademia Tedesca in Roma, lo storico
esercizio Hollywood,
la bottega del liutaio e
tanti altri.
Negli spazi espositivi, gli artisti – fra cui: Rä di Martino, Flavio
Favelli , Tomaso
Binga , Jonathan
Monk , Alterazioni
Video, Matteo Nasini – presenteranno opere caratterizzate da
differenti linguaggi (fotografia, video, scultura, performance) pensate per
interpretare la storia di questi luoghi.
Il progetto si è focalizzato su questa specifica zona di Roma perché oltre
a essere una zona centrale e storica molto cara ai romani, ha anche un vissuto
molto particolare, una forte identità: ha ospitato varie manifestazioni nel
periodo della contestazione, è stata segnata dalla frequentazione di grandi
personaggi del cinema e della cultura, ha sempre avuto un carattere molto
popolare, con la presenza di botteghe e di artigiani, che oggi stanno pian
piano sparendo.
Tomaso Binga, America, la terra, 1992-2019, still da video
La zona, negli anni, è poi diventata “turistica” per eccellenza. Molte
botteghe sono sparite, mentre aumentano, a volte in maniera indiscriminata, i negozi
di souvenir. Il progetto intende ripercorrere e analizzare la storia del luogo,
dagli anni ’60 ad oggi, raccontando i mutamenti che ha subito nel tempo
attraverso le opere di artisti contemporanei, capaci, in maniera non
convenzionale, di raccontare la conflittualità tra passato e presente.
Durante il periodo mostra i visitatori, con mappa alla mano, potranno
sentirsi “pellegrini contemporanei” e immergersi nel percorso a piedi
scegliendo in autonomia i vari itinerari e la durata delle soste.
Per la sera dell’ inaugurazione ,
lunedì 7 ottobre ore 18.00,
verrà organizzato un tour speciale con una navetta e una guida narrante in
partenza dal Cinema Farnese alle ore 20.00. E’ possibile iscriversi mandando
una mail all’indirizzo: comunicazione@artq13.com
Vernice sabato 5 ottobre 2019 ore 11.00 presso la chiesa di Santa Maria dell’Angelo a Faenza. La mostra è curata da Giovanni Gardinicon un mio intervento critico in catalogo.
Vernice domenica 6 ottobre ore 12.00 presso la chiesa di Santa Eufemia a Ravenna. La mostra dal titolo “IN LAUDE” è curata da Giovanni Gardini e Luca Maggiocon un mio intervento critico nel pieghevole di presentazionesull’opera di Elisa Simoni
